Arte: fresco religioso.
Nombre y autor: El tributo de la moneda -- Masaccio.
Localización espacio-temporal: 1425 -- Florencia.
Estilo: renacimiento italiano del quattrocento.
Análisis:
Esta obra nos muestra el pasaje bíblico en el cual un recaudador viene a recolectar un impuesto a Jesús y sus discípulos, y ninguno llevaba dinero, entonces Jesús le dice a San Pedro que vaya a la orilla y sacase la moneda de dentro de un pez. Esto lo hace con un juego de brazos de ambos Jesús y San Pedro que señalan hacia el rio. Luego se vé como este le paga. En un solo cuadro se representan tres escenas, la central, que es en la que viene a por el dinero y se acerca al grupo de apóstoles con Jesús, en la izquierda esta San Pedro sacando la moneda, y a la izquierda cuando ya le está pagando. Esta pintado al fresco en Santa María dei Carmine (Florencia). La representación de las tres escenas en un mismo marco es influencia del gótico. En el ropaje de Cristo vemos dos colores, el azul que representa Su divinidad y el rojo que representa Su pasión y terrenalidad. Entra la luz, que es natural, por la izquierda y crea así un juego de luces y sombras, y resalta el rostro de Jesús. En este pasaje es cuando Jesús dice "al César lo que es del César y a Dios lo que es de Dios"
Bibliografía: https://lacamaradelarte.com/obra/el-tributo-de-la-moneda/
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6e/Masaccio_004.jpg
https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_527.html
Arte: fresco religioso.
Nombre y autor: La Trinidad -- Masaccio.
Localización espacio-temporal: 1425-27 -- Florencia.
Estilo: renacimiento italiano de quattrocento.
Análisis:
Este fresco representa la santísima trinidad de Dios, es decir: Dios Padre -justo encima de la cruz, presidiendo-, Dios Hijo -en la cruz- y Dios Espíritu Santo -uniéndoles representado en forma de paloma, apenas se ve ya que la dibujó muy pequeña junto al cuello de Dios-. Los dos personajes de abajo son la Virgen María y San Juan, y las figuras de fuera son dos donantes. Se aprecia una perspectiva lineal que le da profundidad y que nos hace mirar hacia dentro de la obra. Hay, también, un perceptible trampantojo, ya que crea una arquitectura -influencia de Brunelleschi- que no está y hace parecer que la sala sigue hacia dentro. Esta arquitectura esta conformada por dos pilastras con capitel que enmarcan un arco de medio punto y con columnas de orden jónico. Debajo de la obra, encontramos un ataúd, un esqueleto y una frase que dice <<Io fu' già quel che voi sete, e quel ch'i son voi anco serete>>. Este cadaver es, supuestamente, Adán, y lo que quiere representar es que Dios envió a su hijo al mundo para eliminar el pecado original traído por Adán y Eva, los primeros mortales (Adán siendo el primero). En los ropajes destaca principalmente el rojo, que indica la pasión y la humanidad de Cristo, y el azul, que representa la divinidad. Con los diferentes tonos de estos colores crea volumen. La composición de la obra esta hecha en dos triángulos, el que lo enmarca todo que son los dos donantes y la cabeza de Dios Padre, y el que forman los brazos de Jesús con la cabeza de Dios Padre. Finalmente, está hecha para representar la escena en la que baja Dios Padre, acompañado del Espíritu Santo, a por su hijo.
Bibliografía: https://historia-arte.com/obras/la-sagrada-trinidad
https://es.wikipedia.org/wiki/Trinidad_%28Masaccio%29#/media/Archivo:Masaccio_trinity.jpg
https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_952.
htmlhttps://lacamaradelarte.com/obra/la-trinidad/
Arte: Pintura religiosa.
Nombre y autor: La Anunciación -- Fra Angélico.
Localización espacio-temporal: 1426 -- Florencia.
Estilo: Renacimiento italiano del quattrocento.
Análisis:
Nos encontramos ante una obra religiosa que nos muestra dos escenas: la expulsión del paraíso de Adán y Eva, y la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María. Estas dos escenas nos presentan la pérdida de la esperanza para el ser humano con el pecado original y la expulsión del paraíso, y la llegada de la salvación que nos trae Jesucristo. Hay trampantojo ya que Fra Angélico ha creado una estructura arquitectónica a base de columnas de orden jónico con capiteles decorados y arcos de medio punto, además de que tiene profundidad que se aprecia en la segunda habitación y a través de la ventana. En el marco arquitectónico encontramos la cara de Jesús, que está mirando a María, y una barra con un pájaro. El azul se hace con la pisla azulí que era un material muy caro para la época por lo que se reservaba para cosas de esta importancia como el manto de la Virgen, y el dorado se hace con pan de oro. Nos encontramos ante un ángel que no está volando, sino que está postrado ante la Virgen en forma de reverencia hacia la que va a ser la madre de Dios. Todo el cuadro, especialmente la parte del césped por donde van Adan y Eva, y que rodea la parte arquitectónica dónde esta María con el arcángel, esta minuciosamente detallado con diferentes colores, vegetación e incluso frutas. Es curioso que tanto la Virgen como Gabriel lleven un halo en la cabeza. La parte de la Virgen María, el ropaje y el sitio donde está sentada presentan unos pliegues que le dan textura y volumen, y el mantón de detrás suyo también esta muy decorado. Este cuadro tiene perspectiva lineal, lo más importante del cuadro es la escena de la Anunciación, y es que todo nos lleva a mirar esa parte. Arriba a la izquierda, nos encontramos con un sol donde está el dextera dei (las manos de Dios) y un rayo de luz que emana del sol y va directo hacia el vientre de María, en el cual encontramos la paloma del espíritu santo. Para cerrar, mencionar que en el marco hay narradas diferentes escenas de la vida de la Virgen, a la que Fra Angélico era muy devoto.
Bibliografía: https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-anunciacion/f8e45a6f-7645-4e53-9fd5-cbdae7e8faac
https://lacamaradelarte.com/obra/la-anunciacion/
Arte: Pintura (óleo) religioso.
Nombre y autor: La Madonna del Duque de Urbino -- della Francesca.
Localización espacio-temporal: 1471 -- Italia.
Estilo: Renacimiento italiano del quattrocento.
Análisis:
Este óleo estuvo en un primer momento sobre la tumba del Duque de Urbino. Nos encontramos con una escena de la Virgen sentada con su hijo en su regazo y ella está rodeada de un grupo de personas, al estar Jesús en una posición inestable sobre las rodillas de su madre, rompe la verticalidad del cuadro. Hay un huevo de avestruz pendiendo de una cadena de oro justo encima de la cabeza de María, lo que para los orientales significaba la creación y en el renacimiento la perfección y el espacio cerrado de la obra. Del grupo de gente que rodea al Santísimo y a Su madre, tres hombres de cada lado son Santos, por ejemplo, el que sostiene un libro es San Juan Evangelista. También, a cada lado de la Virgen, hay dos angeles que llevan piedras preciosas. El hombre que encontramos con la armadura y que esta arrodillado es el duque de Urbino, que se representa en el mismo nivel que el resto, lo que representa la importancia que quería tener. Nos encontramos con una parte de arquitectura formada por paneles y con columnas cuadradas adosadas de orden corintio y bóveda de cañón con casetones. Al fondo hay como una bóveda de horno cubierta por una concha. Usa para todo el cuadro colores vivos, el más oscuro siendo el azul intenso del manto de María. Se percibe interés por los detalles, como en la cadena del niño Jesús, que es como un rosario. Hay profundidad aunque no hay movimiento y todas las figuras son más o menos del mismo tamaño, destacando Jesús y la Virgen.
Bibliografía: https://es.wikipedia.org/wiki/Sacra_Conversación_%28Piero_della_Francesca%29#/media/Archivo:Piero_della_Francesca_046.jpg
https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_340.html
https://sb535e68b55636883.jimcontent.com/download/version/1520967354/module/14883069624/name/La%20Madonna%20del%20duque%20de%20Urbino%20Piero%20della%20Francesca.pdf
Arte: pintura religiosa.
Nombre y autor: La Virgen de las Rocas -- Leonardo Da Vinci.
Localización espacio-temporal: 1483-86 -- Italia.
Estilo: renacimiento italiano del quattrocento.
Análisis:
Nos encontramos ante un cuadro que originalmente era al óleo y luego se pasó a lienzo, que está hecha en un marco natural pero idealizado: hay una cueva, se nota el curso del rio y hay detalles en la vegetación. Cuenta la parte de cuando San Juan se queda huérfano y se refugia en una cueva, donde la protege un ángel, y Jesús y María le encuentran mientras huyen a Egipto. Llama la atención que ninguno de los personajes tiene una aureola. Esta hecho de tal manera que forman un triangulo entre el arcángel, el cuerpo de Jesús y la cabeza de la Virgen. San Juan está bendiciendo a Jesús que esta con las manitas puestas en forma de oración. Todos los personajes están idealizados, la Virgen tiene una expresión de ternura idealizada y tiene mucha elegancia, el arcángel Uriel más de lo mismo. La desnudez de los niños es un símbolo de pureza. Gracias a los diferentes tonos de los colores y los claroscuros puede darle volumen a las figuras.
Bibliografía: https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_569.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_de_las_rocas#/media/Archivo:Leonardo_Da_Vinci_-_Vergine_delle_Rocce_(Louvre).jpg
Arte: fresco religioso.
Nombre y autor: La última cena -- Leonardo da Vinci.
Localización espacio-temporal: 1495-97 -- Milán.
Estilo: renacimiento italiano del quattrocento (por año)// del cinquecento (por estilo).
Análisis:
Nos presenta la escena de la última cena que tiene Jesús con sus Apóstoles antes de ser entregado a los soldados romanos. En este momento, Jesús les acaba de decir que uno de ellos les va a traicionar, todos están sorprendidos y preguntándose entre ellos quién habrá sido, otros negando que hayan sido ellos. Judas Iscariote, quien le traiciona, no esta apartado del resto, sino que está en la mesa integrado en el grupo. Da Vinci logra que cada uno tenga una personalidad distinta y se pueda diferenciar a unos de otros. En esta obra, los Apóstoles se agrupan en grupos de tres, teniendo conversaciones entre ellos, preguntándose quién fue. Empezando por la izquierda están Bartolomé y Santiago el Menor con una expresión de duda, y Andrés levantando las manos en símbolo de inocencia. En el siguiente grupo de tres, esta Judas Iscariote, quien sostiene una bolsa de monedas -en símbolo de que le ha vendido por dinero-, Pedro que sostiene un cuchillo que simboliza su carácter fogoso y Juan que escucha lo que dice Pedro. Inmediatamente al lado de Jesús nos encontramos a Tomás que está en segundo plano y pudo haber sido incluido después, Santiago el Mayor que muestra una expresión fuerte y tiene un movimiento brusco, y Felipe que muestra un gesto sentido. En el último grupo de tres nos encontramos a Simón, Judas Tadeo y Mateo que están impactados y discutiendo. La figura central es Cristo, Él es el punto de fuga y forma un triangulo con la mesa. El paisaje de fondo hace que resalte la figura de Jesús. Su ropaje, además, es de color azul -símbolo de divinidad- y rojo -símbolo de Su pasión y humanidad-. Muestra una expresión serena y de tristeza contenida y está aislado. Tiene cerca de Él los elementos de la Transfiguración, el pan que se convierte en Su cuerpo y el vino en Su sangre. Vemos que tiene los pies tapados y esto se hizo en 1652 por su divinidad. Además de que en el paisaje vemos el característico sfumato de este autor. Para finalizar mencionar el trampantojo que forma la arquitectura del fondo, el uso de materiales preciosos como oro y plata, y que debido al deterioro ha ido teniendo distintas restauraciones.
Bibliografía:
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0c/3048_-_Milano_-_S._Maria_delle_Grazie_-_Facciata_-_Foto_Giovanni_Dall%27Orto_-_6-Mar-2008.jpg https://es.wikipedia.org/wiki/La_última_cena_(Leonardo_da_Vinci)#/media/Archivo:The_Last_Supper_-_Leonardo_Da_Vinci_-_High_Resolution_32x16.jpg
http://infografias.elmercurio.com/20190512-AYL-laultimacena/
https://www.holyart.es/blog/articulos-religiosos/la-ultima-cena-de-leonardo-da-vinci-historia-de-una-obra-maestra/#Los_apostoles_en_la_Ultima_Cena
https://historia-arte.com/artistas/leonardo-da-vinci
https://www.nationalgeographic.es/historia/2017/11/cual-era-el-rasgo-que-hacia-de-leonardo-da-vinci-un-genio
https://www.culturagenial.com/es/cuadro-la-ultima-cena-de-leonardo-da-vinci/ Arte: oleo no religioso.
Nombre y autor: La Gioconda -- Leonardo Da Vinci.
Localización espacio-temporal: 1503-06 -- Florencia.
Estilo: renacimiento italiano de cinquecento.
Análisis:
Nos encontramos frente a uno de los cuadros más enigmáticos de la historia del arte. Este cuadro de Leonardo Da Vinci nos presenta a una mujer sentada mirando al espectador, y esta es la mujer Francesco Bartolomeo de Giocondo. Esta mujer tiene varias características, entre ellas que no tiene cejas y que la sonrisa te puede dar a entender diferentes cosas como que se está riendo de ti. Nos encontramos con unos piegues en los ropajes muy trabajados y que hace que con la luz del cuadro se formen claroscuros. Además el paisaje de fondo está hecho con la técnica del sfumato. Por el fondo vemos un puente y también un camino, lo que trata de darle profundidad al cuadro. Gracias a las capas superpuestas logra un juego de luces y sombras que le dan naturalidad al rostro. Ella está sentada con el torso girado hacia el espectador y con los brazos sobre los reposabrazos de la silla. Finalmente mencionar que se han escrito diferentes teorias sobre esta mujer, su sonrisa y su mirada, y destaca como su figura encaja perfectamente con el paisaje.
Bibliografía: https://lacamaradelarte.com/obra/la-gioconda/
https://es.wikipedia.org/wiki/La_Gioconda#/media/Archivo:Leonardo_da_Vinci_-_Mona_Lisa_(Louvre,_Paris).jpg
Arte: Fresco no religioso.
Nombre y autor: La escuela de Atenas -- Rafael.
Localización espacio-temporal: 1510-12 -- Ciudad del Vaticano.
Estilo: Renacimiento italiano del cinquecento.
Análisis:
Nos encontramos ante una obra en la cual hay muchos personajes, cada uno es distinto y muestra una psicología distinta. En el centro nos encontramos a Platón, filósofo de las ideas que esta señalando hacia arriba (al mundo de las ideas), y a Aristóteles, quien tiene la mano extenida con la palma hacia abajo en símbolo de la tierra, hacia el mundo real y terrenal. El reto de personajes son todos pensadores y genios de la historia clasica, principalmente. En esta obra, Rafael se autoretrata a la derecha del cuadro como Ápeles. Nos presenta la idea del trampantojo en la arquitectura donde se encuentran los personajes: es un edificio con varias bóvedas de cañón con casetones con distintas columnas de orden dórico adosadas y al fondo en la ventana creando un arco. También genera esta técnica en las distintas esculturas que nos encontramos en el marco de la arquitectura. El fondo muestra un paisaje hecho con un poco de sfumato influenciado por da Vinci. Finalmente mencionar la perspectia lineal qu eforman los personajes y que el centro son Aristóteles y Platón.
Bibliografía: https://es.wikipedia.org/wiki/La_escuela_de_Atenas#/media/Archivo:La_scuola_di_Atene.jpg
https://lacamaradelarte.com/obra/la-escuela-de-atenas/
Arte: fresco religioso.
Nombre y autor: Bóveda de la Capilla Sixtina -- Miguel Ángel.
Localización espacio-temporal: 1508-12 -- Ciudad del Vaticano.
Estilo: renacimiento italiano del cinquecento.
Análisis:
Esta bóveda fue lo último que hizo Miguel Ángel, para pintarla estuvo sobre andamios y escaleras para poderlo hacer entero. Se puede dividir en tres grupos: el primero es la separación de la luz y las tinieblas, creación de los astros y las plantas, y la separación de aguas; en el segundo encontramos la creación de Adán (obra central), la creación de Eva y el pecado original, y la expulsión del paraiso; y el último es el sacrificio de Noé, el diluvio universal, y la embriaguez de Noé. Las tres partes más importantes son: la del profeta Ezequiel, la de Sibila cumana y la de la creación de Adán. Esta última presenta el juego de mano más importante de la historia del arte. Nos encontramos ante un Adán desnudo que está siendo creando por Dios, está como despertando y él se queda sobre la tierra mientras que Dios se aleja en esa figura que algunos dicen que representa el cerebro y otros dicen que representa el utero de una madre, en cualquier caso Dios está ahí alejandose rodeado de pequeños angelitos. Nos muestra a ambas figuras de manera musculusa, y a Dios nos lo representa con barba que indica Su sabiduría.
Bibliografía: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5b/Michelangelo_-_Creation_of_Adam_%28cropped%29.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/Bóveda_de_la_Capilla_Sixtina#/media/Archivo:CAPPELLA_SISTINA_Ceiling.jpg
https://lacamaradelarte.com/obra/boveda-de-la-capilla-sixtina/
Arte: óleo religioso.
Nombre y autor: La tempestad -- Giorgone.
Localización espacio-temporal: 1508 -- Venecia.
Estilo: Renacimiento italiano de cinquecento.
Análisis:
Esta obra nos presenta a una mujer amamantando su hijo. En el fondo nos encontramo una ciudad que parece abandonada, la que se ha identificado como la ciudad natural de Giorgone, y el cielo se presenta en tonos grisaceos-azulados y un rayo lo que indica tormenta. En cuanto a la naturaleza, encontramos distintas vegetaciones como árboles, vemos un rio y un puente. Este cuadro tiene muchas interpretaciones diferentes, algunos creen que es una gitana, otros creen que es Eva con Caín ya que la serpiente se esta escondiendo. Hay un chico en el cuadro que podría ser un soldado o vigilante que anteriormente era otra mujer desnuda. Lo que destaca del cuadro es que estamos ante un paisaje y una ciudad que importan tanto como la escena central del cuadro por lo que estan muy detallados y bien hechos.
Bibliografía: https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_623.html
https://es.wikipedia.org/wiki/La_tempestad_(Giorgione)#/media/Archivo:Giorgione,_The_tempest.jpg
Arte: pintura no religiosa.
Nombre y autor: La Venus de Urbino -- Tiziano.
Localización espacio-temporal: 1538 -- Florencia
Estilo: renacimiento italiano del cinquecento.
Análisis:
Nos encontramos ante uno de los primeros desnudos femeninos completos y se realizo para el hijo del duque Urbino. Aunque está totalmente desnuda, se ve cierto gesto de vergüenza ya que se está tapando con la mano un poco. Para hacer esta obra se inspiro en la Venus dormida de Giorgone, su maestro, cuadro que Tiziano se encargó de terminar. Se sabe que usó el nombre de Venus porque sino estaba mal visto pintar a una mujer desnuda. En la mano con la que no se está tapando, esta sosteniendo un ramo de rosas rojas, que simbolizaba el amor. En la cam, a sus pies, hay un perro, que es símbolo de la fidelidad conyugal y también nos indica que no estamos ante una diosa sino ante una persona de carne y hueso. Al fondo vemos un par de doncellas que estrían haciendo su labor. Se cree que este cuadro se lo encargó Guidobaldo para su mujer. Finalmenete mencionar que esta en un marco lujoso y palaciego.
Bibliografía: https://lacamaradelarte.com/obra/venus-de-urbino/
https://artsandculture.google.com/asset/venus-of-urbino/bQGS8pnP5vr2Jg?hl=es
Arte: Pintura propagandística.
Nombre y autor: Felipe V en Mühlberg -- Tiziano.
Localización espacio-temporal: 1548 -- Italia.
Estilo: Renacimiento italiano del cinquecento.
Análisis:
Este cuadro fue hecho por Tiziano para conmemorar la batalla y victoria de Felipe V en Mühlberg. Vemos a un Carlos V con la armadura y una lanza a lomos de un caballo. Ambos personajes estan muy trabajados y está hecho de manera muy naturalista y realista. En el fondo nos encontramos con un paisaje que tiene influencia del sfumato de Da Vinci, y que no muestra nada de la guerra, esta un poco idealizado. El fondo se hizo así, y solo se icluyó la figura de Felipe V, para que resaltase y se viese que era en su honor. El caballo, y su montura, estan hechos de tal modo que le dan movimiento a la obra. Finalmente mencionar que estaba luchando contra los enemigos de la cristiandad y que esta hecho de forma que el rey, en este caso emperador, no pareciese cruel o arrogante aunque si victorioso.
Bibliografía: https://lacamaradelarte.com/obra/carlos-v-en-la-batalla-de-muhlberg-tiziano/
https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_V_a_caballo_en_Mühlberg#/media/Archivo:Carlos_V_en_Mühlberg,_by_Titian,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg
Arte: Pintura religiosa.
Nombre y autor: El lavatorio -- Tintoretto.
Localización espacio-temporal: 1548-49 -- Venecia.
Estilo: Renacimiento italiano del cinquecento.
Análisis:
En este cuadro nos encontramos una escena bíblica en la cual Jesús le lava los pies a sus discipulos, cosa que resaltaba la humildad del hijo de Dios. En este cuadro, Tintoretto representa a algunos Apóstoles de manera torpe, como por ejemplo algunos que les cuesta quitarse las sandalias. Ete cuadro esta convido para que se vea distinto dependiendo de por donde lo mires, y que alomejor lo ves de frente y parece que no hay una distribución lógica, y luego lo ves desde la derecha y si tiene lógica. Hay una perspectiva lineal que va desde la cabeza de Cristo, pasa por la mesa y llega hasta el arco del fondo. En esta obra encontramos un trampantojo ya que hay arquitectura al fondo: nos encontramos ante una serie de edificios con columnas de orden dórico y al final el arco es de medio punto, además de que todos los marcos que nos encontramos, incluso los que separan el exterior de la zona donde se encuentra Jesús con sus seguidores, también son de medio punto. Finalmente mencionar que hay un perro que en este caso indica la lealtad de los Apóstoles a Jesús.
Bibliografía: https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-lavatorio/77d1fd63-1918-40b7-a79e-6d427e19bed8
Arte: Pintura religiosa.
Nombre y autor: Las bodas de Caná -- Veronese.
Localización espacio-temporal: 1563 -- Venecia.
Estilo: Renacimiento italiano del cinquecento.
Análisis:
Esta obra está inspirada en el pasaje bíblico en el que Jesús asiste a una boda que se celebra en Caná donde hay muchos invitados y se quedan sin vino y en este momento Jesús hace su primer milagro y hace que llenen 6 vasijas de agua y las tranforma en vino. Vemos la técina del trampantojo ya que hay varios elementos arquitectónicos: columnas de orden dórico y corintio, y al fonso un campanelle con arcos de medio punto, además de un edificio con gente arriba y una escultura. Jesús está en el centro junto con su madre y los Apóstoles, y cada uno de los personajes de la obra tiene psicología propia y son distintos, no se repiten, lo que le da naturalidad y realismo.
Bibliografía: https://lacamaradelarte.com/obra/las-bodas-de-cana/
https://es.wikipedia.org/wiki/Bodas_de_Caná#/media/Archivo:Paolo_Veronese_008.jpg
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